LUAR DE JANEIRO

Enquanto os Papas rejubilavam com os frescos do tecto, Miguel Ângelo ocultava, na Capela Sistina, críticas à decadência da Igreja. Um legado pouco católico do mestre renascentista, agora recordado a propósito dos quinhentos anos da jóia do Vaticano

A ideia que Miguel Ângelo tinha de si mesmo como artista não coincidia com os planos que Júlio II tinha para o mestre renascentista. Queria, o Papa que o tecto da Capela Sistina, no Vaticano, se tornasse um gigantesco fresco retratando a criação de Adão e Eva, Noé e o Dilúvio, Deus a formar o Mundo, e outras cenas bíblicas que reforçassem o prestígio da Santa Igreja junto dos fiéis. Miguel Ângelo que se considerava escultor e não pintor, criou a obra-prima que fez o mundo aloelhar de devoção, mas aproveitou para se vingar com elegância: muitos dos conteúdos dos frescos, codificados para iludirem a vigilância do pontífice e pouparem o artista à morte, revelaram ser mensagens esotéricas e críticas veladas à decadência da Igreja. Só isso explica que o Vaticano não festeje com pompa os quinhentos anos desta obra, visitada anualmente por quatro milhões de turistas.

O projecto de construção da Capela Sistina, à imagem do lendário Templo de Salomão, em Jerusalém, descrito pelo profeta Samuel no Livro dos Reis, foi encomendado em 1475 pelo papa Sisto IV, que lhe deu o nome. Porém, só entre 1508 e 1512, sob as ordens de Júlio II (sobrinho de Sisto), é que Miguel Ângelo concebeu as famosas pinturas narrando a história da Criação, num processo crivado de animosidade entre o artista solitário e um Papa impaciente em ver o trabalho concluído. Em pouco tempo, Miguel Ângelo dispensou todos os ajudantes que o serviam, ao perceber que o melhor trabalho de que eram capazes não satisfazia o seu grau de exigência. Devido ao cansaço, retenção de líquidos, pedras nos rins e problemas respiratórios, tanto contorceu o corpo nos andaimes que ganhou reumatismo e escoliose. A vista ficou-lhe turva, das gotas de tinta que caíam do tecto e da minúcia dos pormenores, mas o mestre não desarmava.

"Quando estará pronta a minha capela?" perguntava invariavelmente Júlio II, o Terrível, ameaçando substituir Miguel Ângelo caso não desse conta do recado. "Quando eu puder", era a resposta do artista, a braços com falta de paciência, dificuldades financeiras, problemas de saúde e aquelas quase trezentas figuras descomunais que o consumiam - mas que resultaram tão perfeitas quando as terminou que mais pareciam esculpidas em mármore de Carrara. A sibila Líbia foi uma delas, erguendo na mão a tocha que ilumina o mundo e profetizando sobre Cristo. Ninguém pareceu reparar que ela também se tornou famosa ao prever a chegada do dia "em que todo o oculto será revelado, sugerindo que o autor pintou a sonhar com o tempo em que o seu código seria revelado ao mundo.

Mais tarde, Miguel Ângelo diria que a boa pintura se aproxima de Deus. "Não é mais do que uma cópia das suas perfeições, uma sombra do seu pincel, a sua música." Já nada podia apagar o código secreto ocultado nas imagens que representam a criação do Universo, sete episódios do Génesis, cinco sibilas(que teriam anunciado a vinda de Cristo), sete profetas, a embriaguez de Noé e façanhas heróicas do povo de Israel, incluindo Judite matando Holofernes, David vencendo Golias e Ester denunciando as perseguições de Amã aos judeus. O Papa rejubilava ao olhar os frescos. Estava longe de imaginar que o artista usara o seu humor rebelde para criticar a decadência da Igreja, passar mensagens esotéricas a quem as soubesse interpretar e declarar a sua admiração pelo povo judeu, o Talmude e a Cabala.

Foi isto mesmo que descobriram, alguns séculos mais tarde, os especialistas em judaísmo Roy Doliner e Benjamin Blech, confirmando no livro Os Segredos da Capela Sistina, As Mensagens Proibidas de Miguel Ângelo no coração do Vaticano (ed. Casa das Letras): "Às vezes, ele usava códigos ou alusões simbólicas que eram parcialmente escondidas, por vezes sinais que só poderiam ser entendidos por certos grupos religiosos, políticos e esotéricos. São mensagens que ecoam, nos dias de hoje, com o seu apelo corajoso para a reconciliação entre a razão e a fé, a Bíblia Hebraica e o Novo Testamento, e entre todos os que se irmanam na busca sincera pela fé verdadeira e no serviço de Deus."

Mas nem só os frescos de Miguel Ângelo guardaram mensagens ocultas durante mais de cinco séculos. Segundo exames complexos realizados recentemente pelo Museu Britânico, recorrendo a tecnologia de ponta, vários esboços de Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio, Andrea Mantegna e do próprio Miguel Ângelo revelaram que os grandes nomes da Renascença eram recorrentes na arte da ocultação. Uma Virgem Maria de Leonardo deixa antever, por baixo, rascunhos de um gato e um menino Jesus. Um desenho da Viegem com o Menino, da autoria de Mantegna, revela, numa camada inferior, traços de uma mulher rodeada por dois querubins que, entretanto, acabaram apagados pelo artista. Miguel Ângelo modelou a sua Madona de Bruges, uma escultura exemplar da Virgem com o Menino, sobre o desenho de um torso que começou por ser, inegavelmente, masculino.

"Através destes desenhos é possível ligarmo-nos àqueles momentos criativos, como se espreitássemos por cima do ombro dos artistas", disse Hugo Chapman, curador dos esboços italianos no Museu Britânico, em declarações à Imprensa. "Teríamos de ter estado com eles no estúdio para ver aqueles desenhos em particular. Isto é como uma máquina do tempo.", congratula-se o perito, deslumbrado com o modo como os traços profundos desvendam o ensaio das poses, da anatomia e do movimentos finais das grandes obras. No caso da Capela Sistina, a subversão de Miguel Ângelo está lá para quem quiser vê-la. Nunca a expressão "O essencial é invisível aos olhos" teve tanto significado.

Texto: Ana Pago

Fotografias: CORBIS
Notícias Magazine

Exposição I Walk the Line, no Teatro Municipal da Guarda

MONET

130 Anos de Impressionismo

Impressão, Sol nascente

A primeira grande exposição do seu grupo de amigos – agora também com Degas e Cézanne, entre outros – teve lugar em Paris, em Abril de 1874. E foi o título de uma das obras expostas por Manet – Impressão, Sol nascente – que originou o termo Impressionismo, utilizado por um crítico da época e que veio a designar o movimento artístico liderado por este grupo.

Os impressionistas utilizaram uma técnica que “dissolve a forma, a superfície e os volumes, minimizando os corpos físicos e representando os ambientes de uma forma fluida, dissolvendo os objectos na luz, que se salienta em pinceladas justapostas de cor pura”. Romperam com o intelectualismo materialista, realizando-se cada artista livremente, segundo o pendor individual da sua sensibilidade.

 Le Bassin aux Nymphéas, Harmonie Verte 

Luís Portela, O Prazer de Ser

Auto-retrato

O Absinto

Apesar de pertencer ao grupo e de figurar na maioria das suas exposições, Degas cria uma obra singular. Exprime-se, sobretudo, pela linha, valorizando o desenho, ao contrário dos impressionistas que negligenciavam o desenho e buscavam desesperadamente a cor. Raramente pinta cenas ao ar livre; nos seus quadros a luz é artificial: a luz dos interiores das lojinhas, dos cafés, dos quartos de banho. Libertando-se da sua formação clássica, procura descobrir o inédito, agarrar os flagrantes da vida. Busca o efémero nos movimentos dos seres vivos: bailarinas, músicos, modistas, engomadeiras, cavalos.

Ensaio de Ballet